El lado oscuro del Corazón (1993) un viaje al fondo ¿pero de qué?

A veces la vida trata de enseñar; en forma de muerte, en forma de verdad.
Otras tantas sólo se quiere imaginar; de modo solemne, de modo irreal.

Este filme de producción argentino-canadiense que fuese estrenado un 21 de mayo de 1992 bajo la dirección del trasandino Eliseo Suviela, relata la historia de un hombre y su amor a la poesía, la vida y por qué negarlo a la máxima expresión de la unión de estos dos conceptos: “La mujer”.

Así, durante los 127 minutos en que transcurre la cinta, se regala entre cada diálogo magistrales monólogos a partir de poemas de Mario Benedetti, Juan Gelman y Oliverio Girondo.

Y es que cuando Oliverio (Darío Grandinetti) un poeta de oficio se enamora de María (Nacha Guevara) puta de profesión, queda claro que hay leyes que se hicieron para ser respetadas, ya que si una vez se decidió ver a una puta con luz de día, hay que asumir las consecuencias.

De ahí que la muerte (, Sandra Ballesteros), se muestre tan empeñada de hacer madurar a este personaje. Pero no, el quiere volar a cualquier precio o sufrimiento, ya que cree firmemente en que incluso es el dolor el que le permite dar forma y sentido al corazón.

Un resumen merecedor de la película es el fragmento en que se nos regala una adaptación del poema de Girondo Comunión plenaria, en el que previamente se puede captar el exquisito juego sonoro.

Descubre la película desde Megaupload
>Fuente

Perfume de mujer (1992) una aventura del cómo enamorar y sorprender

Los ojos que no ven miran mejor, cantaba Joaquín Sabina. El mismo sentimiento queda tras ver esta película en la que magistralmente Al Pacino y Chris O'Donnell, nos permiten ver (y entender) el mundo que hay delante la ceguera.

Un viaje a New York y un juicio estudiantil, los motivos que atraviesan este filme de 1992, en que a cada instante se nos son develados una serie de verdades, en que la idea de que si diste un paso en falso, entonces, sólo sigue bailando en el tango de la vida, es fundamental.

Así el teniente coronel Frank Slade y su lazarillo Charlie Simms a poco andar logran sortear juntos las murallas que los separan de la felicidad; él primero al aceptar su ceguera, y el segundo al entender que a veces no todos actúan correctamente.

Una obra maestra si se quiere tomar nota de cómo capturar a una mujer, pero eso si, no a cualquier tipo de mujer, sólo a esas que debajo del vestido tienen mente y ganas de ser sorprendidas. Y si no creen vean esta escena:



Podría dar más datos de la trama, pero no, prefiero que sean ustedes los que descubran y disfruten, donde la única verdad que importa es la propia.

Descubre la parte I
Descubre la parte II (REPARADA)

Fuente

Taxi Driver (1976) el viaje de la locura camino a la redención

Hay quienes al momento de recostarse no pasan ni 2 segundos y ya entran en el mundo de los sueños. a otros en cambio, nos cuesta mucho poder apagar el cerebro para la jornada del día siguiente. Ante esto la pregunta que asalta es: ¿Qué hacer frente al insomnio?

Contar ovejas, leer un buen libro, o encender la TV es lo que la mayoría hacemos. Travis Bickle (Robert De Niro) en cambio, no le viene nada de bien ninguna de estas opciones. Es por eso, que un buen día se levanta y decide convertirse, así sin más, en un taxista de las calles de Nueva York. Es allí donde conocerá a la pequeña Iris (Jodie Foster) que surge como el triste modelo heredado tras la decadencia de esta gran metrópolis luego de la desventura que supuso Vietnam.


De este modo, mediante el taxi de Bickle vamos observando la decadencia de la ciudad, a tiempo que esta se entremezcla con la paranoia del guía de ruta. Es en este punto, donde Martin
Hay quienes al momento de recostarse no pasan ni 2 segundos y ya entran en el mundo de los sueños. Otros en cambio, nos cuesta mucho poder apagar el cerebro para la jornada del día siguiente. Ante esto la pregunta que asalta es: ¿Qué hacer frente al insomnio?

Contar ovejas, leer un buen libro, o encender la TV es lo que la mayoría hacemos. Travis Bickle (Robert De Niro) en cambio, no le viene nada de bien ninguna de estas opciones. Es por eso, que un buen día se levanta y decide convertirse, así sin más, en un taxista de las calles de Nueva York. Es allí donde conocerá a la pequeña Iris (Jodie Foster) que surge como el triste modelo heredado tras la decadencia de esta gran metrópolis luego de la desventura que supuso Vietnam.


De este modo, mediante el taxi de Bickle vamos observando la decadencia de la ciudad, a tiempo que esta se entremezcla con la paranoia del guía de ruta. Es en este punto, donde Martin Scorsese nos viene a demostrar porque es uno de los directores más destacados de las últimas 3 décadas, en que grandiosos juegos de cámara se permiten conjurar el guión de Paul Schrader, el cual insiste en temáticas clásicas de este director como la cultura occidental, el machismo, el abuso, y su clásica línea de “hombres que buscan la redención”.

La calidad mágica y evocadora del filme –a nuestro entender- se dejan sentir cada vez que hay secuencias en las que vuelve a su casa, en donde las luminarias de la ciudad literalmente van acariciando los diferentes vehículos antes que terminen siendo los instrumentos de la brutalidad.
Scorsese nos viene a demostrar porque es uno de los directores más destacados de las últimas 3 décadas, en que grandiosos juegos de cámara se permiten conjurar el guión de Paul Schrader, el cual insiste en temáticas clásicas de este director como la cultura occidental, el machismo, el abuso, y su clásica línea de “hombres que buscan la redención”.

La calidad mágica y evocadora del filme –a nuestro entender- se deja sentir cada vez que hay secuencias en las que vuelve a su casa, en Hay quienes al momento de recostarse no pasan ni 2 segundos y ya entran en el mundo de los sueños. Otros en cambio, nos cuesta mucho poder apagar el cerebro para la jornada del día siguiente. Ante esto la pregunta que asalta es: ¿Qué hacer frente al insomnio para no tener que dejar de soñar?

Contar ovejas, leer un buen libro, o encender la TV es lo que la mayoría hacemos. Travis Bickle (Robert De Niro) en cambio, no le viene nada de bien ninguna de estas opciones. Es por eso, que un buen día se levanta y decide convertirse, así sin más, en un taxista de las calles de Nueva Cork, haciendo de su taxi su compañero más comfiable. Es allí donde conocerá a la pequeña Iris (Jodie Foster) que surge como el triste modelo heredado tras la decadencia de esta gran metrópolis luego de la desventura que supuso la participación estadounidense en Vietnam.

De este modo, mediante el taxi de Bickle somos testigos privilegiados donde vamos observando la decadencia de la ciudad, a tiempo que esta se va entremezclando con la paranoia del guía de ruta. Es en este punto, donde Martin Scorsese nos viene a demostrar porque es uno de los directores más destacados de las últimas 3 décadas, donde saca pleno partido a grandiosos juegos de cámara que permiten conjurar el guión de Paul Schrader, el cual insiste en temáticas clásicas de este director como la cultura occidental, el machismo, el abuso, y su clásica línea de “hombres que buscan la redención”.

La calidad mágica y evocadora del filme –a nuestro entender- se deja sentir cada vez que hay secuencias en las que Bickle vuelve a su casa, en donde las luminarias de la ciudad literalmente van acariciando los diferentes vehículos antes que terminen siendo los instrumentos de la brutalidad que transportan la brutalidad.

Así va surgiendo el día para lo mundano, mientras que la noche de forma lenta para lo caótico, en que el desafío termina siendo el querer levantarse al otro día frente al abrumador panorama.La pregunta que cabe hacerse es: ¿Verdaderamente vale la pena levantarse en una ciudad tan cruel como esta?

Descubre la película desde Divx Online

muerte en Venecia (1971) un filme donde literatura, música y cine se recubren mutuamente

Si la música está al servicio del cine, o si por el contrario, el cine al servicio de la música, es una discusión que el filme “Muerte en Venecia
” (1971) se presenta como una prueba que poco ayuda a dilucidar esta interrogante. A cargo del director italiano Luchino Visconti
, esta adaptación de la novela “La muerte en Venecia” de Tomas Mann, durante sus 130 minutos de duración, lo que en realidad busca mostrar es como Literatura, música y cine forman un verdadero todo, en que uno no puede valorarse y verse completo sin el otro.

“Eso no es vergüenza es temor. La vergüenza es un desequilibrio espiritual al cual tú eres inmune, porque eres inmune al sentimiento”. Con este tipo de diálogos nos vemos sumergidos a los tormentos que aquejan a Gustav Von Aschenbach (Dirk Bogarde). Un compositor de música clásica que llega a la ciudad de Venecia buscando escapar de los recuerdos que configuraron la muerte de su hija, o el fracaso de su matrimonio.

Es en ese mundo de recuerdos, donde emerge Alfred; un antiguo colega de música, donde discusiones philosóficas y artísticas, son el ley Motive de gran parte del escenario que recubre el filme. Es también, donde Visconti despliega toda su genialidad como director y unificador.

El recurso del Flashback es el que hace exportable los monólogos interiores de Aschenbach, que en la novela de Mann lo inundan todo. De allí que en la adaptación cinematográfica casi no existan diálogos y la fotografía de Pasqualino De Santis sea tan importante.

Y es que los hermosos encuadres que muestran como Aschenbach progresivamente se va enamorando platónicamente de Tadzio (Romolo Valli), en un proceso que muestra como aún en nuestros días persiste la gracia por lo estético, no serían posibles si es que no se jugase con la gran lentitud de las diversas secuencias, que lejos de ralentizar la obra, lo que hace es permitir más profundidad.

Sin embargo, para que Muerte en Venecia sea un todo, no se puede soslayar el tercer elemento que conforma este melodrama: la música dispuesta por Gustav Mahler
, que desde incluso los créditos que luego darán paso a un fundido y a la visión del muelle veneciano, nos hace sentir que la vida no sería tal si es que no existiese la música, o el mundo de las letras. No por nada el universo hace tiempo ya fue atrapado (y moldeado) por el cine, que ahora atrapó para suerte nuestra la música de Malher.

El ciudadano Kane (1941) Una película para ver, que si no gusta simplemente habrá que agradecer

Hay películas que marcan paradigmas incluso desde el mismo día de su estreno. Este es el caso de la mítica Citizen Kane (el ciudadano Kane), que dejó para siempre un antes y un después de cómo se pensaba el manejo de cámaras a la hora de filmar.


Dirigida y protagonizada por el estadounidense Orson Welles, esta película fue ganadora en su momento (1941) de un premio Oscar. Curiosamente el ganado fue en la categoría de “mejor guión”, donde Welles no habría tenido gran participación.

El verdadero rol de Welles estuvo, en como se ocupó todo, absolutamente todo lo disponible en su momento para adentrarnos en la historia de Charles Foster Kane, un personaje inspirado en el magnate William Randolph Hearst, un polémico periodista, considerado el iniciador de la prensa amarillista.

Pero, más allá de premios, o no premios, lo cierto es que esta película que para muchos es considerada como el mejor filme de todos los tiempos, fue una de las primeras en ocupar la regresión temporal, contando todo desde el final al comienzo. Además de utilizar una serie de recursos como el picado o la profundidad de campo junto al de grúas para dar forma a los travellings.

Este recurso toma preponderancia sobre todo cuando nos vemos sumergidos por la música incidental a cargo de Bernard Herrman, donde al adentrarnos a cada nueva locación cerrada, primero vemos el mundo desde arriba dándonos la sensación de que podríamos controlarlo todo, pero que en vez de eso preferimos simplemente observar. Algo que Charles Foster Kane, nunca haría.

Así, podemos ser testigos privilegiados de todo el tormento y la colusión que hay en el ambiente ejemplo de esto,

la escena de chantaje de John Gettis a Kane, donde no hay necesidad de tiros rápidos o violentos de la cámara, ni menos primeros planos, ya que la angustia se siente simplemente a partir de los planos generales y medios, donde nos hace pensar y sentir que fuésemos testigos ovni sientes, ya que podemos acceder a la ventana de la información sin intervención alguna.

En resumen, una película que si bien carga con grandes juicios previos, al momento de proyectarla uno puede decidir si la valora porque le atrapa, o porque dio pie a muchos de los recursos del lenguaje cinematográfico que hoy se encuentran en nuestras películas favoritas.